Cela fait bien plus de cinquante ans que le Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band a été diffusé pour la première fois sur les ondes des deux côtés de l'Atlantique.
Les cris frénétiques de leurs fans à chaque concert et le manque de moniteurs de scène leur ont rendu presque impossible de s'entendre en tant qu'unité musicale, alors ils ont pris du recul et ont repensé la direction dans laquelle ils se dirigeaient musicalement envers. Ringo Starr a souvent mentionné qu'ils devenaient un "groupe de musiciens lâches" tandis que John Lennon a fait remarquer "envoyer quatre œuvres de cire… et cela satisferait les foules. Les concerts des Beatles n'ont plus rien à voir avec la musique."
De plus, la remarque de John "Les Beatles sont plus populaires que Jésus" dans un journal londonien en mars 1966 a provoqué un tollé général partout où ils se sont produits. Leur tournée aux Philippines en 1966 s'est terminée par un désastre lorsqu'ils ont snobé sans le savoir la Première Dame Imelda Marcos. En août 1966, les Beatles ont unanimement estimé que leurs jours de tournée étaient terminés et ont donné leur dernier concert ensemble au Candlestick Park de San Francisco le 29 août 1966.
Les concerts et les réservations n'étant plus au programme, le groupe s'est retiré en studio pour voir ce qu'ils avaient tous à offrir individuellement en termes de musique. Le groupe avait déjà commencé à utiliser expérimentalement des drogues psychédéliques et à ce moment-là, John était déjà influencé par l'art d'avant-garde tandis que Paul commençait à explorer des idées de musique classique à travers des compositeurs contemporains de l'époque tels que Luciano Berio et John Cage. Pour ceux qui ne le savent peut-être pas, c'est McCartney qui a proposé l'idée de créer un album basé sur une idée thématique d'un groupe militaire de l'époque édouardienne. Et c'est ainsi que l'idée du Sgt. Pepper est né.
Le travail pour le nouvel album concept a commencé en novembre 1966 avec l'enregistrement de " Strawberry Fields Forever " de Lennon, une chanson inspirée d'un lieu réel de sa ville natale de Liverpool. Lennon a commencé à écrire la chanson pendant le tournage sur les plateaux de How I Won The War, son tout premier film sans ses camarades de groupe. La chanson a été enregistrée sur une machine à quatre pistes et était une piste révolutionnaire pour l'époque pour l'utilisation du swarmandal et du mellotron. Ces instruments évoquaient une avant-garde comme un ton envoûtant. Il est sorti en février 1967 alors que la face B du McCartney écrivait «Penny Lane», une autre chanson rappelant leur jeunesse à Liverpool, caractérisée par des changements de clé notables tout au long de la chanson et la trompette piccolo classique jouée par David Mason dans le pont..
À l'époque, la plupart des groupes sortaient un single et créaient l'album qui l'entourait. Lorsque Penny Lane et Strawberry Fields Forever n'ont pas réussi à atteindre la première place du classement des détaillants de disques en Grande-Bretagne, les fans et les critiques ont été amenés à se demander si "la bulle avait éclaté".' Cependant, les heures passées à les enregistrer ont ouvert une nouvelle direction musicale pour le groupe qui a finalement compris leurs génies musicaux innés.
Lorsque le travail de production de l'album a finalement commencé, George Harrison, qui était désormais profondément influencé par le mysticisme et la musique indiens, a propulsé son idée musicale dans son sitar composé Within you, Without Out, qui utilisait également le dilruba et tabla et a présenté au monde pour la première fois le genre de Raga Rock. La chanson reflète clairement la vision de Harrison sur la vie telle qu'elle est enseignée dans les Vedas indiens et ne peut pas être simplement considérée comme une illusion.
Bien que le titre Lucy In The Sky With Diamonds ait été inspiré par l'un des dessins de Julian, le fils de Lennon, Lennon s'est fortement inspiré des paroles d'Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll. La chanson se caractérise par un fort changement de tonalité qui se déroule tout au long de la chanson avec sa signature rythmique caractéristique de 3/4 dans le couplet suivi d'un battement de 4/4 dans le refrain.
Même le Lennon-McCartney crédité A Day in the Life est surtout connu pour ses paroles colorées et élaborées au style narratif qui brossent un tableau lumineux de la vie quotidienne à Londres pendant les années soixante. Le producteur George Martin et McCartney ont partagé la responsabilité de diriger un orchestre de 40 musiciens pour la section centrale de 24 mesures inspirée du style de John Cage et de Karlheinz Stockhausen. David Crosby de The Byrds, qui était présent lors des sessions, a déclaré plus tard: "Mec, j'étais un chiffon à vaisselle. J'étais terrassé. Il m'a fallu plusieurs minutes pour pouvoir parler après cela."
Alors que le producteur George Martin et les ingénieurs du son d'EMI ont pressé l'album à l'aide d'une machine à quatre pistes, ils ont exploré avec les Beatles de nouvelles techniques de mixage et d'overdubbing pour produire le son souhaité. Inspiré par James Jamerson, Paul McCartney a branché sa basse directement sur la console d'enregistrement de la platine d'enregistrement pour acquérir ce son profond pour la chanson titre de l'album.
Bien qu'il puisse être considéré comme vintage selon les normes d'aujourd'hui où la plupart des enregistrements en studio sont effectués via une assistance informatique, l'album était une percée pour son époque avec l'optimisation du studio et des installations d'enregistrement par le groupe. C'était la première fois que le studio était considéré comme un instrument de musique au lieu d'une institution pour simplement produire de la musique. Les immenses heures de studio consacrées à la production de l'album ont forcé les critiques et les éditeurs à revoir l'esthétique de la musique rock en tant que forme d'art plutôt qu'en tant qu'entité commerciale. L'expérimentation sonore de nouveaux sons musicaux a ouvert les portes à des genres musicaux tels que le hard rock, le punk, le heavy metal, la nouvelle vague et d'autres styles musicaux qui ont suivi. Même les personnages alter-ego développés autour du thème de l'album par John, Paul, George et Ringo sont devenus la pierre angulaire du genre glam rock dans les générations qui ont suivi.
Rolling Stone Magazine est allé au rang de Sgt. Pepper comme le plus grand album de tous les temps basé sur les votes reçus des musiciens de rock, des critiques et des personnalités de l'industrie.
